Olivier Deck
Pascal Daudon
« Les Deux Pieds dans la source » 19 mai / 17 juillet 2021
Jean-Claude Le Gouic
« Couleurs et Lumières, métamorphoses » 21 juillet / 18 septembre 2021
Patricyan
« D'où vient la couleur ? » 29 septembre / 4 décembre 2021
Olivier Deck propose de découvrir les principaux cycles de son parcours photographique depuis 2013, construits selon une approche exigeante et radicale, fondée sur l’idée de « vivre poétiquement sa vie » par la photographie.
Né en 1962 dans le sud-ouest de la France où il vit, Olivier Deck est photographe, écrivain, poète, auteur-compositeur-interprète, il a publié une quarantaine de livres (romans, poésie, nouvelles).
Sa photographie, exclusivement en noir et blanc, reflète une démarche exigeante, radicale, qui explore l’espace intime au travers de ses réverbérations sur le réel.
Il puise sa matière première là où il se trouve, « ici et maintenant » : la nature, les êtres, les choses. Son travail reflète une spiritualité métissée d’occident et d’orient, influencée par son intérêt pour le Japon.
Il considère la photographie comme une voie solitaire, d’où naît une poésie intime et méditative.
Une poésie qui s’écrit avec la lumière et l’ombre.
Quatre cycles photographiques constitueront le parcours de l'exposition :
Un peu plus que la vie : méditation « photopoétique » sur l’enfance et le paysage des Landes.
Nymphéas : conversation avec l’étang. Ce cycle, dédié à Claude Monet, interroge la surface d’un étang dans les Landes, avec les variations de la lumière, des reflets, des pollens et des plantes aquatiques.
Il fait écho bien entendu à la démarche impressionniste.
Lignes d'ombre : mano a mano avec le poète André Velter. Hommage à Joseph Conrad.
Cet ensemble d’images de l’océan, très épurées, témoigne du rapport étroit qu’entretient la photographie de l'auteur avec la poésie, et d’un long parcours d’amitié créative avec André Velter (prix Goncourt de poésie, prix Mallarmé).
L'Envers de la lumière : de la photographie comme pratique poétique. Cet ensemble témoigne d'une démarche au long cours, qui allie la photographie et la littérature, soit l’écriture dans deux de ses états majeurs : avec la lumière et avec les mots. Les images,créées de 2013 à aujourd’hui, accompagnent deux textes, deux confidences nées de carnets personnels de réflexion sur la photographie. L’ensemble sera publié en janvier 2021 aux éditions Contrejour, qui depuis 1970 soutiennent en France la démarche photographique intime et existentielle.
Les ouvrages éponymes de l’auteur – Un peu plus que la vie, Lignes d’ombre, L’Envers de la lumière – seront présentés durant l’exposition et donneront lieu à des temps de lecture et de partage.
Une rencontre-débat autour de la photographie poétique d'auteur ainsi qu’une masterclass sur le thème : le sens de l'image, seront également proposées.
L'exposition est présentée avec le soutien du conseil départemental des Landes, de la communauté d'agglomération du Marsan, de la ville de Mont-de-Marsan et du Fonds de Développement de la Vie Associative.
Avec cette exposition emblématique, Pascal Daudon revient dans sa ville natale, Mont-de-Marsan, où il est né il y a tout juste 60 ans, et il investit le centre d’art contemporain Raymond Farbos, un lieu qu’il connaît bien et avec lequel il entretient de forts liens d’affection. Une large rétrospective de son travail ainsi que ses toutes dernières créations seront proposées au public.
Autour de l'idée du corps, envisagé par le biais de l'ombre portée prélevée, il propose son univers poétique et humaniste à travers un choix d’œuvres comme puisées dans les réserves de sa rêverie, issues de ses nombreuses séries (ses collections), passées et en devenir. Parmi ces séries « collections », Un petit coin de paradigme et L'Instant choisi des chrysalides ont été spécialement conçues pour cette exposition, qui sera aussi l’occasion de découvrir les fruits d’une collaboration à quatre yeux et à quatre mains avec Vincent Monthiers, photographe et ami complice de l’artiste. Pascal Daudon trouve ses sources d’inspiration dans l’humain, l’intime, la rencontre et le lien, le territoire… Il laisse aussi entrer tout ce qui peut s’immiscer dans ses œuvres et nourrir son rapport poétique au monde. Peints, ou gravés à la manière de palimpsestes, ses supports (chaises et tables en formica, morceaux de lits, d’armoires, etc.) sont souvent issus de la culture populaire, objets communs domestiques ayant à voir avec l’idée du partage. L'objet, récupéré à la fin de son parcours utilitaire, reçoit la couleur des rêves de l'artiste, passe de l'intime au public, comme autant de fragments de sa maison rêvée. Tout peut y glisser, s'y croiser autour de l'humain souriant, heureux d'être présent au monde.
Diplômé de l’école des beaux-arts de Bordeaux en 1987, il vit entre les Landes et Bordeaux.
Artiste voyageur, il expose et effectue des résidences régulièrement tant en France qu’à l’étranger. On trouve ses œuvres dans de nombreuses collections publiques ou privées.
Il propose le mercredi 23 juin à 19 h de voir ou de revoir l'exposition de Pascal Daudon, actuellement présentée au CAC, au travers d'une création musicale et sonore originale, inspirée des œuvres de l'artiste. Entrée libre.
L’exposition invite le spectateur à se laisser aller à des expériences visuelles jubilatoires et ludiques. Elle présentera les deux usages de la fluorescence que l’artiste a expérimentés depuis une vingtaine d’années. La recherche de l’intensité de la couleur a poussé Jean-Claude le Gouic, à la fin des années 1990, à utiliser des pigmentations fluorescentes acryliques. Il s’agissait d’obtenir une plus grande vivacité de la couleur en ajoutant ces teintes d’une grande intensité lumineuse aux couleurs les plus saturées déjà proposées par le marché.
Diverses expérimentations de juxtaposition de figures décoratives abstraites se présentent d’abord, comme une somme d’actes picturaux organisés qui, par-delà leur simplicité, sont susceptibles de questionner le regard. Si dans un premier temps l’œuvre s’impose comme forme unitaire, très vite l’œil est obligé de s’adapter, pour appréhender l’ensemble de la peinture. Par des juxtapositions et des superpositions de plans colorés, des effets d’espace-profondeur sont obtenus sans usage de la perspective linéaire. L’œil est pris dans les filets et les rayures de la peinture. Nombre de peintures récentes, après 2016, sont des reprises de créations plus anciennes, installant un effet palimpseste non par effacements mais par adjonctions. Ces tableaux rassemblent ainsi des gestes picturaux différents, des espaces hétérogènes, des motifs décoratifs d’origines variées, avec une attirance pour les références ethniques. Des couleurs vives viennent se substituer à celles qui préexistaient. Parfois une forme spécifique, le « semis », marque la disparition de la figure dominante qui occupe le centre du tableau, au profit d’une dispersion entraînant de nouvelles possibilités de parcours visuel.
Dans la seconde partie de l’exposition les sensations sont différentes. Les productions plastiques y sont exposées sous le double éclairage : lumière blanche, lumière ultra-violette (dite aussi lumière noire). Un variateur électronique commande le passage progressif du jour à la nuit. Dans certaines peintures la modification de la perception spatiale vient de l’augmentation de l’intensité lumineuse de certaines surfaces, tandis que d’autres vont passer du blanc au noir. La découverte des colorants photo-luminescents a permis à l’artiste de réaliser les peintures dont l’étendue de la variation colorée est encore plus grande. La fluorine, à l’origine du terme fluorescence, est une pierre blanche laiteuse sous éclairage naturel qui prend des couleurs lumineuses lorsqu’elle est soumise à des rayonnements ultraviolets. Il en va de même pour diverses créations aux couleurs cachées qui seront montrées lors de cette exposition. En changeant d’éclairage les peintures blanches ou grises deviennent très lumineuses et très colorées. Cela doit conduire le visiteur à un changement d’approche esthétique à partir d’expériences visuelles et sensorielles nouvelles. Il n’y a plus d’espaces avec des figures fixes comme dans la tradition des représentations occidentales : le visiteur sait qu’ici règne l’impermanence et la métamorphose. Entre le visible et l’invisible, de nombreux moments insaisissables suscitent un mélange de tristesse (c’est parti) et de plaisir (ça revient), et l’on se laisse emporter dans une succession d’éveils à de multiples petits événements réjouissants.
Professeur émérite, maître de conférence, Jean-Claude le Gouic a enseigné les arts plastiques à l’université de Provence durant 23 ans. Il peint et expose régulièrement depuis 50 ans. Il est aussi l’auteur de textes critiques sur l’art moderne et contemporain publiés dans des actes de colloques, des revues ou sur des sites internet dédiés comme lacritique.org.
Il est l’auteur de six ouvrages dont L’Art du semis (Paris, L’Harmattan, 2003), Raoul Dufy, la modernité en mouvement (Paris, éditions de la Différence, 2008), Le Dessin dans la peinture, la griffe de Georges Noël (publications de l'université de Provence, 2010).
Ce titre, emprunté à une série de dessins produite en 2019, annonce toutes les nuances de cette exposition, qui à défaut d’apporter une réponse précise, présente un ensemble d’œuvres réalisées depuis ces vingt dernières années, sous la forme d’un cabinet de curiosités. À travers une production éclectique, le visiteur pourra observer la présence ou l’inexistence de la couleur sur les murs, les socles, en suspension.
Si des pistes et indices sont là pour justifier d’une couleur plutôt que d’une autre, l’interrogation demeure néanmoins lorsqu'il s’agit de comprendre pourquoi la couleur est apparue multiple, vive et intense sur une œuvre et pourquoi elle
est absente sur d’autres… L’imaginaire de chacun prendra le relais…
L'exposition aurait pu s'appeler « Poème », chaque série correspondant à un vers. Elle se compose de sculptures, de dessins, de photomontages, d'assemblages, d'installations. Aux fibres métalliques se mêlent perles, cheveux synthétiques, poupées et autres représentations en faïence, plastique, modelages en pâte polymère.
La première salle est occupée par la figure de l'Animal et par les Mutants. Les Grandes Mues ouvragées, sculptures animalières aux couleurs vives, évoquant une transformation positive et optimiste, sont mises en correspondance avec une production diverse qui invite au dialogue avec le monde végétal.
La seconde salle, quant à elle, explore l'Humain, ses identités, ses rituels.
« J’ai le goût du travail minutieux pour certaines séries, alors que je privilégie un côté ludique pour d’autres. J’aime produire du précieux à partir du banal, du tabou. Je puise mes références dans les contes, la mythologie, les rituels, le fantastique . Mes thèmes de prédilection sont la métamorphose, le corps, le textile, les objets protecteurs (talismans), les souvenirs, l’enveloppe, le vide, l’abri, l’empreinte, la trace. »
Née à Tartas (40), l’artiste vit et travaille à Guiche (64). Formée à l’école d’art de Bayonne, Patricyan expose régulièrement en
France et à l’étranger (expositions collectives et personnelles, festivals, salons, galeries, centres d’art).
Contemplative de la nature, à la recherche de la plénitude, redécouvrant des techniques ancestrales, utilisant la cire
comme médium depuis 2020, elle travaille dans un esprit ludique. Elle fréquente les cabinets de curiosités
(Florence, Prague, Madrid, Paris), et expose son travail dans des lieux qui doivent être riches de sens à ses yeux. Dans la
lignée de l'école surréaliste et du pop art, elle suit aussi les pas d’artistes tels que Jérôme Bosch, Lucas Cranach, Edgar
Degas, Francis Bacon. Reliée aux femmes artistes du passé, elle se sent aujourd’hui en filiation avec l’artiste japonaise Takako Saito.
